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As reminiscências de Cisne negro

O novo filme de Darren Aronofsky tem dividido a crítica, principalmente, brasileira. Há quem enxergue no filme um vigoroso exercício de estilo em uma apropriação muscular do cinema como ferramenta narrativa. Por outro lado, há quem veja um cineasta inseguro que mastiga todo o filme em redundâncias visuais. Estão mesmo nas imagens, e no poder alienatório delas, a grande questão de Cisne negro em matéria de cinema. Darren Aronofsky é um cineasta inquieto. Foram cortes multiplicados em Réquiem para um sonho (2000), estética inovadora em Pi (1998), registro semidocumental em O lutador (2008) e em Cisne negro, de alguma maneira, se presencia a decupagem desse estilo de forma acentuada. Aronosky filma com alguns simbolismos. Seus personagens estão sempre em frangalho emocional e em busca de algum sentido existencial.

Essa preocupação do cineasta pode ser observada de maneira mais cristalina ao juntar seus dois últimos filmes: O lutador e Cisne negro. Tanto lá como cá, estamos as voltas com personagens que exploram os limites de seus corpos. Em O lutador, Aronofsky se apropria do corpo e da história de vida de Mickey Rourke para sedimentar um personagem em busca de redenção (o próprio cineasta se encontrava nesse pathos já que fracassara em sua pretensão mais comercial, Fonte da vida). Em Cisne negro, assim como sua personagem principal precisa encontrar seu lado negro (sensual, descontrolado), o diretor exige o mesmo de sua intérprete, Natalie Portman. É com Aronosky que Natalie se entrega despudorada e apaixonadamente a um papel que, em suas nuanças, é de uma riqueza crepuscular. E Natalie Portman, em sua exploração particular, entrega uma performance irretocável.

Os simbolismos não param aí. Aronofsky disse em entrevista em Veneza que entende que os dois filmes são complementares. Não é mero jogo de palavras. Tanto lá como cá se tem acesso aos bastidores de atividades que angariam admiradores, mas que são parcialmente desconhecidas do grande público. Tanto lá como cá se testemunha devoção inconteste a um sonho (obsessão?) e a um modo de vida que pressupõe fortes interjeições emocionais.

Autor e co-autora: Aronofsky instrui sua estrela nos sets de Cisne negro; um caso de simbiose artística 

Perfeição para que te quero? Cisne negro é uma fábula de horror e um drama de beleza e técnica ímpares

Aronofsky une os dois filmes de vez ao aplicar o mesmo final para ambos. A resolução que se propõe, portanto, se configura como um diálogo de ênfase simbólica dentro da filmografia do diretor. O salto final que se vislumbra em ambos os filmes, talvez diga mais sobre esses personagens do que qualquer solução realista. É da trincheira entre surrealismo, naturalismo e realismo que Aronofsky compõe seu cinema. Em Cisne negro é adotado, também, o expressionismo como linguagem. Os espelhos, o jogo dos duplos (brilhantemente encenado durante a apresentação do lago dos Cisnes) e o frenesi pretendido por alucinações que se confundem com a realidade representam essa poderosa dinâmica que tão bem se comunica com o público e que tanto tem incomodado críticos entusiastas de um método de direção mais sutil.

Essa dicotomia está no âmago do filme. Cisne negro foi concebido com paixão e devoção (mais um símbolo inerente à obra). E como todo objeto de paixão que também se interessa em provocá-las, incitará reações adversas. É preciso reconhecer, porém, o acerto de Aronofsky em manter-se coerente (e itinerante) a sua obra e de realizar um filme tão polarizante. É inegável que Cisne negro tem muitas qualidades. A maior delas, talvez seja essa de sintetizar um cineasta experimental e provocador em uma obra tão lisérgica quanto acessível.