Retrospectiva 2013 - Os dez melhores filmes do ano

Claquete se despede de 2013, e deseja aos leitores um feliz ano novo de muitas realizações, conquistas e cinema, com a lista das listas: os dez melhores filmes lançados comercialmente em 2013 no Brasil. Foi um ano com algumas surpresas, outras tantas decepções e algumas certezas. Como reflexo disso, a presente lista não apresenta nenhum blockbuster, ainda que preserve maioria de títulos americanos. Há, sim, cineastas da mais fina estirpe. Paul Thomas Anderson, Woody Allen, François Ozon e William Friedkin marcam presença na lista. Diretores irregulares como Abdellatif Kechiche, Thomas Vinterberg e Ron Howard também. 

O cinema argentino perde sua cota informal na lista, mas o cinema latino-americano não. O mexicano Depois de Lúcia se impõe na lista com autoridade ímpar. Ímpar também é o cinema francês que viveu um ano próspero em nossas telas de cinema e como reflexo disso registra duas inclusões na lista de Claquete dos dez melhores filmes do ano. O pungente A caça, da Dinamarca, é outro europeu a figurar no ranking. 

Um aspecto que revela que 2013 não foi a maravilha em matéria de cinema que todos cremos é que apenas quatro filmes produzidos no ano conseguiram entrar na lista. Há cinco de 2012 e um de 2011. O que poderia ser preocupante, na verdade não é, como demonstra a lista dos dez filmes que quase entraram no TOP 10 do ano e que consta da postagem anterior. Lá há maioria de produções de 2013. De qualquer jeito, é um detalhe que não poderia passar despercebido. Assim como a ausência brasileira da lista. No ano passado, O palhaço representou o país no ranking do blog. 

Sem mais delongas, um feliz 2014, de muito cinema e que Claquete continue sendo o repouso cinéfilo de sua preferência. 

10 - Azul é a cor mais quente (La vie d´Adèle, 1 & 2, França 2013), de Abdellatif Kechiche

Crítica do filme

O premiado e comentado filme francês é daquelas experiências que o cinema vez ou outra oferta. Um filme que é um elaborado estudo de personagem, delicada história de amor e, ainda, narrativa cinematográfica absoluta em sua inteireza estética e compromisso narrativo. Não é um filme à prova de erros, mas é do tipo que oxigena o típico cinema de arte sem a opulência dos tiques autorais, mas privilegiando a simplicidade do relato. Kechiche filma com convicção até mesmo a insegurança de Adèle, a protagonista mais deslumbrante de 2013, diante do mundo. Azul é a cor mais quente é significativo, ainda, por perseguir uma verdade desconhecida, ainda que cercada por conjecturas a todo o momento. Quem somos nós, o que nos define, no final do dia?

9 – Capitão Phillips (Captain Phillips, EUA 2013), de Paul Greengrass

Crítica do filme

Paul Greengrass assume nesse filme de tensão ininterrupta algo que já sabemos, mas que sempre nos impressionamos quando essa verdade é esfregada em nossa cara. A realidade sempre supera a ficção; e Capitão Phillips é um esforço bem azeitado da ficção de equiparar-se com a realidade. A recriação do sequestro do Capitão Phillips e de sua embarquação por piratas somalis em 2009 é um ás da realização. Do ponto de vista do roteiro, de Billy Ray, da atuação, de Tom Hanks e dos outros atores menos famosos, mas igualmente certeiros, e de direção, do assumido Paul Greengrass.

8 – Rush – no limite da emoção (Rush, EUA 2013), de Ron Howard

Crítica do filme

O melhor filme de esporte já feito. Ok, a afirmação pode ser precipitada, mas Rush – no limite da emoção captura como poucos o que move a paixão em torno dos mais variados e diversificados esportes: a rivalidade. O sentimento de competição que brota no coração dos homens e se perpetua no jogo midiático e na ganância irrefreável que surge com a boa vida. O feito de Ron Howard é supremo porque o filme é completo em tudo que precisa ser completo, da narrativa muito bem aparada às atuações irreparáveis. As cenas de corrida, muito bem editadas e fotografadas, são um deleite à parte. Até mesmo para quem não gosta de Fórmula 1.

7- Depois de Lúcia (Después de Lucía, MEX/FRA 2012), de Michel Franco

Crítica do filme

Nenhum filme desta lista fará você se sentir pior como ser humano, ou mesmo mais confuso, do que este belo drama mexicano premiado no festival de Cannes em 2012.

Depois de Lúcia une dois temas delicados e bastante explorados pelo cinema, o bullying e o luto, e os funde com aspereza, sensibilidade e total falta de parcimônia no retrato agonizante que faz de uma menina e seu pai tentando readaptarem-se à vida após a morte da mãe e esposa. Um soco no estômago. Com soco inglês.

6- A caça (The Hunt, DIN 2012), de Thomas Vinterberg

Crítica do filme

O bullying volta, de certa forma, a se manifestar no filme que ocupa distintamente a sexta posição da lista. A mentira, a imaginação fértil de uma criança, o balé das circunstâncias e a intolerância são medidas nesta nauseante crônica fílmica de Thomas Vinterberg. A caça é, inegavelmente, o melhor filme de sua carreira e é daqueles que nos deixa de queixo caído. Da perplexidade à reflexão, são poucos os filmes que nos instigam esse maremoto interno.

5 – Blue Jasmine  (EUA 2013), de Woody Allen

Crítica do filme

Woody Allen nos presenteia com um filme dolorosamente engraçado, desavergonhadamente dramático e profundamente triste na radiografia certeira que faz do choque entre duas visões de mundo encampadas em uma mesma personagem. A tragédia de Jasmine, grega, mas também americana, é um comentário sagaz e sofisticado do cineasta de grife mais regular que o cinema dispõe hoje sobre os EUA, mas também sobre um tipo muito particular da grã-finagem.

4- Killer Joe – matador de aluguel (Killer Joe, EUA 2011), de William Friedkin

Crítica do filme

Quando a insanidade encontra o banal, Killer Joe tem seu ápice climático e o espectador, a certeza de que está diante de um filme único, ousado e chocante como nem Tarantino consegue ser.

Nessa história de violência orquestrada com maestria por William Friedkin, uma família se organiza, desorganizadamente, para matar a mãe e Matthew McConaughey, surpreendente a cada take, é o homem escolhido para fazê-lo. Killer Joe é uma epopeia de loucura delirantemente engraçada, avidamente dramática e irremediavelmente boa de ver.

3- O lado bom da vida (Silver linings playbook, EUA 2012), de David O. Russell

Crítica do filme

Se a capacidade de um filme de fazer você se sentir bem consigo mesmo fosse o principal critério para a eleição do melhor filme do ano, O lado bom da vida teria liquidado a disputa lá em fevereiro. Afinidade conta, mas não pode reinar sozinha. O que coloca O lado bom da vida no pódio dos melhores filmes lançados no Brasil em 2013 é sua incrível capacidade de emocionar, divertir e sensibilizar falando muito sério. Além da perfeição com que é dirigido, pela acuidade do texto e, principalmente, pela entrega absoluta dos atores em cena. Um filme cativante, solar e muito inteligente; tanto internamente, como na comunicação com o público.

2- Dentro da casa (Dans La mansion, FRA 2012), de François Ozon

Crítica do filme

Um brinde ao poder de uma história bem contada. Esse drama sofisticado, inventivo e sempre tão surpreendente quanto cativante de François Ozon faz reverência à arte de narrar dando espaço a sentimentos humanos tão díspares como carência, inveja, desejo, manipulação, raiva, rejeição. A trama que coloca um professor intrigado pela narrativa sofisticada de um aluno insuspeito e fazendo descobertas sempre desestabilizadoras é uma realização soberana do cinema francês de 2012 que abrilhantou o 2013 dos cinéfilos brasileiros.

1-O mestre (The master, EUA 2012), de Paul Thomas Anderson

Crítica do filme

Um estudo sobre a condição humana em toda a sua complexidade, prevaricação, fascínio e senso de oportunidade. Paul Thomas Anderson não economiza na ambição ou nos sofismas que circulam a arrebatadora história sobre como o homem modifica o meio e por ele se deixa modificar. Política, religião, amor e família são construções arquetípicas falimentares no olhar apurado, clínico, mas nem um pouco taxativo de Anderson. 

Oscar Watch 2014 - As surpresas, as certezas e as novas tendências da categoria de melhor filme estrangeiro

Cena de A grande beleza, estreia deste fim de semana nos cinemas brasileiros

O novo método designado pela Academia para escolher os indicados a melhor filme estrangeiro, em que obriga um punhado de acadêmicos voluntários a assistir uma cota preestabelecida de filmes pleiteantes às vagas de finalistas no Oscar para que possam votar, segue produzindo resultados complexos, oblíquos, mas com muito mais identidade e apreciação.

Prova disso foi a lista anunciada na última sexta-feira (20) com os nove filmes mantidos na disputa pelas cinco vagas de finalistas na categoria. Ficaram de fora produções gabaritadas como O passado, de Asghar Farhadi – que venceu há dois anos por A separação, o chileno Gloria e o hypado Wadjda, primeiro filme saudita dirigido por uma mulher.

Seguiram na disputa algumas expressões de peso como Danis Tanovic com o bósnio An episode in the life of an iron picker, Thomas Vinterberg com A caça, Paolo Sorrentino com A grande beleza, Wong Kar-Wai com The grandmaster e Hany Abu-Assad com Omar. Além desses, seguem na disputa The broken circle breakdown (Bélgica), The missing Picture (Camboja), Two lives (Alemanha) e The notebook (Hungria).

A exclusão de O som ao redor pode decepcionar fãs mais ardorosos do bom filme nacional, mas era até certo ponto esperada. Não só pelo alto nível da competição, como pelo fato do filme ser essencialmente asséptico e autocentrado em sua tese, divergindo completamente da grande maioria dos selecionados que não perdem o elemento humano de vista.

Uma tendência cada vez mais flagrante nesta nova era da categoria de filme estrangeiro no Oscar é justamente a decadência dos filmes hypados. O olhar parece voltado a um tipo de filme mais tridimensional do que aquele produzido nos EUA, mesmo no circuito independente. Além do mais, busca-se algo oxigenado, o que justifica a presença de produções do Camboja, Bósnia e Palestina e a exclusão do badalado filme de Farhadi que, para todos os efeitos, estende a inflexão ensejada por A separação.

Se é possível apontar certezas nesta categoria, elas são a presença dos filmes A grande beleza e A caça entre os finalistas. A grande beleza provocou nos americanos uma nostalgia do cinema italiano de Fellini e Antonioni. As referências são indisfarçáveis e, nessa altura do campeonato, advogam em favor do filme. A caça é um dos filmes mais superlativos em muito tempo e tem um ator bastante familiar, e admirável, ao público americano. O cambojano The missing Picture vem crescendo nas bolsas de apostas, mas o mais seguro mesmo é apostar nas artes marciais e em Wong Kar-Wai. Seu The grandmaster é outro nome praticamente certo entre os finalistas.  

Euro & Travelling

Vinterberg, o terrível

Com 29 anos ele causou em Cannes. Sob o signo de uma estreia arrebatadora na direção de longas-metragens para cinema – com o intenso e perturbador Festa de família (1998), o dinamarquês Thomas Vinterberg parecia ter para si um caminho glorioso, mas não foi o que se verificou. As expectativas não foram cumpridas e o cineasta se viu sob o hostil território das promessas que não vingaram.

Foi no ano passado, também em Cannes, que Vinterberg fez as pazes com a crítica internacional ao apresentar o não menos intenso e perturbador A caça. O diretor não deixou por menos e rebateu as afirmações de que seu cinema estava em uma maré baixa. “Gosto de todos os meus filmes”, disse o dinamarquês em entrevista coletiva em Cannes. “Não mudaria nada. Um ou outro pode ter tido uma resposta melhor da crítica, mas são todos meus filhos”, metaforizou Vinterberg.

A verdade é que o diretor sofreu um pouco por ter sido o único que levou a ferro e fogo os fundamentos do Dogma 95, movimento que fundou juntamente com Lars Von Trier, em face de um cinema mais naturalista, menos intervencionista por parte da realização. Mas não foi o dogma 95 que o recrudesceu. Filmes como Dogma do amor (2003), Querida Wendy (2004) e Quando um homem volta para casa (2007) preservam o despudor temático de Vinterberg, mas as narrativas são frouxas e perdulárias. Em O submarino, sobre dois irmãos assombrados por chagas passadas que se reencontram no funeral da mãe, o diretor já dava sinais de uma reconsolidação de seu cinema em sua articulação estética e propósito narrativo. A confirmação veio com A caça, filme que tem um ponto de partida dos mais interessantes: relativizar o conceito de inocência que temos incauto em uma criança. A partir de uma falsa acusação de pedofilia, e da análise ensimesmada de todo o circo que dela deriva, Vinterberg propõe, ainda que inconscientemente, um diálogo prolífero com seu filme até então mais famoso: Festa de família. Com a pedofilia como parâmetro, ele opõe o alcance devastador de traumas no foro íntimo e também na coletividade.

Se Vinterberg se aposentasse agora, além de despedir-se no topo, deixaria uma obra de musculatura robusta e fina integração estética e temática. Ainda que capitaneada por esses dois filmes distanciados por quase duas décadas. É um feito que poucos cineastas, principalmente se considerarmos a opção por um cinema de burilação estética, são capazes de ostentar.

Crítica - A caça

Frenesi de perversidade

A caça (Jagten, DIN 2012) não é um filme sobre pedofilia, ainda que remeta a esse aterrador universo e seja ventilado por ele constantemente. O novo, denso e frequentemente impactante filme de Thomas Vinterberg é um estudo, deverás ruidoso, da perversidade humana em múltiplas formas. Desde a mais remota e ligeira vergonha até a incivilizada propensão infantil à crueldade, passando pela boçalidade dos adultos e culminando na complacência com que certas articulações humanas são conduzidas.

Amparando-se quase que completamente nos cânones do movimento dogma 95 que ajudou a constituir, a preocupação no uso da luz natural e a trilha sonora restrita ao ambiente em que se desenrola a ação são características marcantes em A caça, Vinterberg tece uma trama assustadora sobre os efeitos de uma mentira mal contada e ainda pior verificada.

Lucas (Mads Mikkelsen) é um homem de 42 anos extremamente tímido, divorciado, com um filho que a ex-esposa lhe dificulta o acesso, e que trabalha como professor em uma escola do jardim de infância em um vilarejo qualquer dinamarquês. A composição de Mikkelsen favorece a percepção de que se trata de um homem frustrado, mas também conformado com sua rudeza e simplicidade, que enxerga no hábito de caçar – cultivado junto de amigos bonachões – um sentido maior que a realidade impõe. Ajuda essa ambientação do personagem, a aproximação de Nadja (Alexandra Rapaport), estrangeira que trabalha na escolinha e manifesta interesse por Lucas. Ele se comporta como uma presa hesitante e Nadja como uma caçadora convicta.

Mikkelsen em uma das cenas mais fortes de A caça, feito presa e tolerante a humilhação, Lucas não tarda a perceber que sua vida mudou para sempre

Lucas é amigo próximo de Theo (Thomas Bo Larssen), ao ponto de contar com sua confiança para levar ou trazer Klara (Annika Wedderkopp) à escola. Klara, de apenas cinco anos, é muito suscetível à instabilidade de sua vida familiar e isso é algo que Vinterberg cristaliza com propriedade na primeira meia hora de filme. Nessa conjuntura e carente de atenção, é natural que se volte para Lucas – sempre atencioso e paternal. Um belo dia, a menina tasca-lhe um beijo na boca e lhe oferta uma cartinha carinhosa. Lucas lhe repreende, ainda que o faça com carinho, e provoca em Klara um temor por aquela rejeição. Horas depois a menina conta uma história francamente insustentável – se uma mínima e séria investigação preliminar fosse conduzida – indicando Lucas como um agressor sexual. A diretora da escolinha, personagem displicente em sua atividade, acolhe com o esperado choque o relato da menina sem grandes questionamentos e um circo, ou uma caça, em que Lucas se torna a principal atração, ou presa, está armado.  

O que interessa a Vinterberg, em termos primários, é a total falta de interesse na investigação mais aprofundada da acusação. “Por mais que se tenha imaginação fértil, uma criança não inventaria uma coisa dessas”, diz a diretora da escolinha a certa altura a outro personagem sobre o depoimento de Klara – inconsistente, mas gráfico no que precisaria ser. É desse choque de expectativas do que se espera (de uma criança, de uma sociedade e até mesmo de Lucas) e o que de fato se desenvolve, que A caça se articula enquanto proposta dramática.

Perversidade pontual e perversidade generalizada: a crueldade de Klara não necessariamente é a mais acachapante de A caça

Vinterberg quer mostrar que, quando lhe é dada a chance, a sociedade (enquanto grupo organizado) apressa-se em primitivizar-se. E sublinha seu comentário ao mostrar que submetido a lei (principal instrumento civilizatório em uma sociedade) – aqui coadjuvante na arquitetura dramática do filme - Lucas é inocentado sem grandes questionamentos.

A retumbante cena final, no entanto, demonstra que o lado primitivo nos homens, uma vez provocado, resiste alerta e ameaçador.