Insight

Cinema comercial X cinema artístico e a questão da percepção

Na semana passada, a seção Insight focou o cinema de arte, suas adjacências e resiliências. Aprofundando a questão aventada no último domingo, é oportuno discutir a questão da percepção. Afinal, é ela a responsável direta na hora de eleger um filme como artístico ou comercial. Não é preciso ir muito longe para enxergar discrepâncias dentro da própria crítica cinematográfica. Há quem goste de Godard, apenas pelo seu significado cultural (mas na verdade não suporta seus filmes), há quem veja em Godard um rompimento estético saudável, mas pouco substancioso em termos estruturais e há quem pense que Godard é uma fraude. Todos classificam o octagenário cineasta francês como integrante da ala artística do cinema. Essa dicotomia ajuda a mapear o quão subjetiva, embora itinerante, é a crítica cinematográfica. Daí a dificuldade de rotular cineastas como o americano Steven Sodebergh (que alterna trabalhos autorais com projetos mais comerciais). Steven Spielberg é tido como o Midas do cinema blockbuster americano, mas seria injusto dizer que o homem que criou Parque dos dinossauros, E.T, Contatos imediatos do terceiro grau, A lista de Schindler, Munique e Minority report – a nova lei, não seja ele, um legítimo integrante do cinema artístico. Akira Kurosawa, maior cineasta nipônico de todos os tempos (cultuado como um dos pilares do cinema de arte por muitos formadores de opinião) inspirou seu cinema nos westerns americanos de Howard Hawks e John Ford. Almodóvar, sinônimo de cinema de arte nos quatro cantos da terra é sucesso de bilheteria na Espanha, seu país natal.

Godard: Diferentemente de seu parceiro, e posteriormente desafeto, François Trauffaut ele privilegiou um contante rompimento estético. A maioria da crítica admirou mais Trauffaut, mas não ignora Godard

O espanhol Pedro Almodóvar é mais amado pelo público do que pela crítica em seu país. No estrangeiro ocorre o inverso

No Brasil, Fernando Meirelles é um bom exemplo dessa bifurcação. Cidade de Deus, grande sucesso do cinema nacional e um dos catalisadores do bom momento que o nosso cinema vive, é, em última análise, um filme de arte. Tanto que arrebatou Cannes e toda a classe artística internacional que vira e mexe arranja uma brecha para exaltar o filme de Meirelles. Cidade de Deus é comercial? Também. Linguagem, ambientação e estrutura narrativa facilitam essa percepção. Ao confluir arte e indústria, Meirelles obteve sucesso em uma seara difícil. É lógico que um filme comercial não nega a arte, mas tão pouco a reafirma. Meirelles pensou primeiro no que tinha que dizer e depois na forma de fazê-lo. Essa é ainda a melhor maneira de se “pensar” cinema. E ao se contemplar um filme, é possível intuir qual foi a atitude do cineasta.

Fernando Meirelles exige controle criativo sobre seus filmes. Ele se incumbe de pensá-los primeiro

É lógico que há filmes que obedecem apenas a lógica mercantilista dos estúdios e mega produtores. Era assim na era de ouro de Hollywood e ainda é assim na era da internet. Existe uma horinzontalização da produção cinematográfica. Adaptações de HQs, remakes, reboots, continuações. Hollywood gosta de operar dentro de uma margem de segurança. Mas até mesmo nesse nicho tão bem resolvido existe espaço para divagações artísticas. O que dizer de filmes como Batman – o cavaleiro das trevas, Os bons companheiros de Scorsese, ou até mesmo O poderoso chefão de Coppola (uma superprodução dos anos 70)?
São filmes - a primazia - comerciais, mas com fortes componentes ligados ao cinema de arte.
Como pode se ver, a percepção no que toca a definição de artístico e comercial é traiçoeira. Roman Polanski é outro exemplo interessante. Campeão de bilheteria na França nos anos 60 e 70 e não tão valorizado por lá até bem pouco tempo atrás, Polanski sempre foi tido como expoente do cinema de arte em outros lugares do mundo (como no Brasil). A tal da percepção passou a ficar mais homogênea (ou influenciável) com o advento da internet e da indefectível globalização. A teoria do autor (teoria de cinema popularizada com o surgimento da Nouvelle Vague nos anos 60) ainda é parâmetro para se medir o cinema de arte. Mas já há concessões. A tolerância ao cinema de arte é hoje muito maior do que no passado. Prova disso foi a vitória do filme Uncle Boonmee Who can recall his past lives no festival de Cannes deste ano. O diretor Apichatpong Weerasethakul admitiu que gosta de filmar sem roteiro. Que se pudesse escrever o que gostaria de filmar, não faria um filme, faria outra coisa. Isso diz muito sobre a percepção de arte no cinema hoje. Os engajados nesse tipo de cinema que não necessariamente é arte, embora seja tomado como tal, se orientam pela lógica brilhantemente capturada pelo pensador Millôr Fernades: “Se se ganha dinheiro, o cinema é uma indústria. Se se perde, é uma arte!” No fim das contas, essa deturpação sociológica é dominante.

Cena de O escritor fantasma, último filme de Roman Polanski: Um diretor de forte identidade autoral que até bem pouco tempo atrás não era valorizado em seu país